This release contains Milt Jackson's complete album Plenty, Plenty Soul
(Atlantic SD8811), plus two of the three sessions from his LP Ballads
& Blues, included here in their entirety.
“There should be some exceptional merit badge for this sort of thing - Five Stars Plus or Too Good to Rate.”
Ralph J. Gleason on Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957
“Milt throughout is remarkable – even his rests pulsate.”
- Nat Hentoff on Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2
Este lanzamiento contiene el álbum completo de Milt Jackson, Plenty,
Plenty Soul (Atlantic SD8811), además de dos de las tres sesiones de su
LP Ballads & Blues, incluidas aquí en su totalidad.
"Debería haber alguna insignia de mérito excepcional para este tipo de cosas - Five Stars Plus o Too Good to Rate."
Ralph J. Gleason en Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957
"Milt es notable en todas partes, incluso sus descansos palpitan."
- Nat Hentoff en Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2
Un extraordinario disco del vibrafonista, Milt Jackson fuera del ambito
de su grupo, "The Modern Jazz Quartet". Liderando la sesión, Jackson se
hace acompañar por extraordinarios instrumentistas, destacando la
presencia del gran Cannoball Adderley al saxo alto, el extraordinario,
Frank Foster al saxo tenor y el baterista, Art Blakey. Extraordinario.
Review by Scott Yanow A
follow-up to trumpeter Donald Byrd's hit A New Perspective, this LP
also features an eight-voice choir conducted by Coleridge Perkinson and
arrangements by Duke Pearson and the leader. The vocalists have a larger
role than in the earlier date and Byrd's quintet (with tenor
saxophonist Stanley Turrentine and pianist Herbie Hancock) is augmented
by organist Freddie Roach, guitarist Grant Green and a dozen brass
players. But despite some strong moments, the date (which resulted in no
real hits) does not quite reach the heights of A New Perspective
although it has plenty of interesting moments. https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876
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Reseña por Scott Yanow Continuación
del exitoso A New Perspective del trompetista Donald Byrd, este LP
cuenta también con un coro a ocho voces dirigido por Coleridge Perkinson
y arreglos de Duke Pearson y el líder. Los vocalistas tienen un papel
más importante que en la primera fecha y el quinteto de Byrd (con el
saxofonista tenor Stanley Turrentine y el pianista Herbie Hancock) se ve
aumentado por el organista Freddie Roach, el guitarrista Grant Green y
una docena de músicos de metal. Pero a pesar de algunos momentos
fuertes, la fecha (que no dio lugar a ningún éxito real) no alcanza las
alturas de A New Perspective, aunque tiene muchos momentos interesantes. https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876
A
fine section trombonist, Melba Liston achieved her greatest fame as an
arranger, particularly for her projects with Randy Weston. She grew up
in California and played with Gerald Wilson's Orchestra starting in
1943. Her most notable recording as a soloist was with Dexter Gordon in
1947. Liston worked with Count Basie (1948-1949), Dizzy Gillespie's big
band (1949-1950), and backed Billie Holiday, but then spent a few years
outside of music. She toured with and wrote for Dizzy Gillespie's
orchestra (1956-1957) and visited Europe with Quincy Jones' big band
(1959), staying with that orchestra into 1961. Liston then became a
freelance arranger, working on sessions led by Weston, Johnny Griffin,
and Milt Jackson, writing for the studios, teaching, and occasionally
playing. A serious stroke confined her to a wheelchair from 1985 onward,
but Liston still wrote for several latter-day Randy Weston projects in
the years prior to her death on April 23, 1999. https://www.allmusic.com/artist/melba-liston-mn0000404399/biography
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Biografía por Scott Yanow Excelente trombonista de sección, Melba
Liston alcanzó su mayor fama como arreglista, especialmente por sus
proyectos con Randy Weston. Creció en California y tocó con la orquesta
de Gerald Wilson a partir de 1943. Su grabación más notable como solista
fue con Dexter Gordon en 1947. Liston trabajó con Count Basie
(1948-1949), la big band de Dizzy Gillespie (1949-1950) y fue telonera
de Billie Holiday, pero después pasó unos años alejada de la música.
Realizó giras y compuso para la orquesta de Dizzy Gillespie (1956-1957) y
visitó Europa con la big band de Quincy Jones (1959), con la que
permaneció hasta 1961. Liston se convirtió entonces en arreglista
independiente, trabajando en sesiones dirigidas por Weston, Johnny
Griffin y Milt Jackson, escribiendo para los estudios, enseñando y
tocando ocasionalmente. Un grave derrame cerebral la confinó a una silla
de ruedas a partir de 1985, pero Liston siguió escribiendo para varios
proyectos de Randy Weston en los años anteriores a su muerte, el 23 de
abril de 1999.
Biography by Alvaro Neder João
Donato started his recording career at 15, already a challenging task
in an association with a great master, Altamiro Carrilho. He also
recorded with Bud Schank, Ron Carter, Airto Moreira, Elmir Deodato,
Randy Brecker, Ray Barretto, Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud
Gilberto, Cal Tjader, and several others, along with many important
Brazilian musicians, including Johnny Alf and Tom Jobim. His solo career
is registered with 29 albums recorded since 1953. A major figure as a
musician and arranger in the bossa nova movement, he is profoundly
influential, having inspired generations of players. João Gilberto
confessed to have taken his bossa nova beat at the violão from Donato's
piano playing. He is generally perceived as a crazy and detached genius;
maybe he is a little of each.
He started making music very early
and soon he was already animating dance parties with his accordion. His
first music notions were given by a sergeant of Acre's Military Band.
At 11, he moved to Rio and studied piano with professor Werther. At 15,
he was already a professional accordion musician, playing at suburban
balls. His first recording dates back from that period, a 78 rpm for the
Star label with Altamiro Carrilho e Seu Regional, although the label
omits Donato's credits. He also performed, at that time, continuing for
nine years, at the jam sessions of the seminal amateur jazz circle
Sinatra-Farney Fan Club in Rio, which gathered people who would be
important jazz musicians, producers, and journalists in Brazil. At 17,
he was hired by Rádio Guanabara as a sideman on the Zé do Norte show,
working there for two years. In 1952, he was hired by the great
violinist Fafá Lemos to play in his group, which was performing at the
Monte Carlo nightclub. He also played at several other nightclubs which
brought together Rio's good musicians, at places such as Sacha's,
Drink's, Bon Gourmet, and, most importantly, Plaza, where bossa nova was
born. His first solo album, a 78 rpm for Sinter, was entitled João
Donato e seu Conjunto, and was released in April 1953, containing
"Tenderly" and "Invitation." In May of that year, he recorded, under the
same title, another 78 rpm for the same label. In July, he recorded
with the vocal and instrumental group Os Namorados for a 78 rpm with the
songs "Eu Quero Um Samba" (Haroldo Barbosa/Janet de Almeida), later
recorded solo by João Gilberto, and "Três Ave-Marias" (Hanibal Cruz). He
also recorded two other albums with Os Namorados, always for Sinter, in
October 1953 and January 1954. The group Os Namorados was the same as
Os Namorados da Lua, without Lúcio Alves. When Alves departed for a solo
career, he prohibited his old bandmates from using the old name, as he
wanted to reserve it for future projects. Donato also worked for the
Garotos da Lua vocal group. They were hired by Rádio Tupi. Donato was
the group's pianist and arranger and João Gilberto joined them in 1949,
subbing for crooner Jonas Silva. Their strong friendship began before
they even met: before leaving Bahia, someone said to João Gilberto that
he was going to meet a guy "exactly like him." At the same time, Donato
was told that the forthcoming crooner was very much alike him. When they
met, they only said to each other "That's true!," leaving bystanders to
wonder what was going on. Numerous eccentric anecdotes of both
idiosyncratic musicians date from that period. Later, they would move to
Luiz Teles' (from the Quitandinha Serenaders group) apartment, and live
there for a while. Gilberto recorded two albums with the Garotos da Lua
in July and November 1951. Soon after, Gilberto was fired from the
group by Rádio Tupi's artistic direction as "too bad a crooner." In
1954, Donato recorded another 78 rpm for Sinter. In 1956, in spite of
hating the cold weather of the city of São Paulo, Donato moved there,
joining the group Os Copacabanas and the Luís César Orchestra, alongside
his own group. He recorded another solo album, now with this group, for
Odeon in March 1956. In the same year and on the same label, he
recorded Chá Dançante, produced by Tom Jobim. In 1958, he composed his
first hit, "Minha Saudade," with Gilberto. At that time, Donato was
playing at the Copacabana Palace with the orchestra of Copinha (fined
every two days for being late everyday), and Gilberto used to go there
often to chat with Donato during the orchestra's breaks (when Dick
Farney's group performed). Donato said in an interview in the '70s that
Gilberto confessed to him that he, Donato, was the inspirer of
Gilberto's bossa nova beat at the violão. Maestro Gaya also said that.
Also in 1958, he recorded on his LP Dance Conosco (Copacabana) two
partnerships with Gilberto: the mambo "Mambinho" and the samba "Minha
Saudade."
In 1959, he was being rejected by all nightclubs. Ahead
of its time, his modern swinging piano was too strong rhythmically and
excessively difficult to follow by other musicians, and customers
complained about it as not danceable. He ran out of gigs and used to ask
all nightclubs' owners to play for free, just to be available for
anyone interested. Even then, he was only allowed to play after 4:00
a.m., when most customers were gone. His situation was so bad, he
decided to move away from Brazil. His friend Nanai, having toured Mexico
with the great singer Elizete Cardoso, settled in the U.S. and
telegraphed Donato, inviting him to a two-week season there. Donato went
and ended up residing in the U.S. for 14 years. Very requested by Latin
artists, he recorded Arriba! for Mongo Santamaria (Fantasy 1961), Vaya
Puente for Tito Puente (Philips 1962), At the Black Hawk for Santamaria
(Fantasy 1962), The Astrud Gilberto Album for Astrud Gilberto (Elenco
1964, released in the U.S. through Verve, Silver Collection 1991),
Shadow of Your Smile for Astrud Gilberto (Verve 1965), Brazil! Brazil!
Brazil! for Bud Shank (World Pacific 1967), Solar Heat for Cal Tjader
(Skye 1968), and Prophet for Cal Tjader (Verve 1969). Given the long
years they worked together in Rio, and also that they were longtime
friends, Donato and Brazilian drummer Milton Banana developed a rare
symbiosis, each one rhythmically complementing the other's ideas. Banana
was the first musician to develop a proper bossa nova drum beat, with
brushes over a cloth and stick at the snare's rim. His sound was so
distinctive that it was copied by many musicians and most bossa nova
recordings bring that drum sound. After the historic concert at Carnegie
Hall, in which Donato didn't participate, Donato and Milton Banana
accompanied Gilberto on a tour through Italy, where they worked for six
weeks. In spite of being harassed by more people interested in
contracting him than he could handle, Gilberto alleged a pain in his
finger which impeded him of playing, and they stopped everything to wait
for his recovery. Believing that only one person in the world could
cure him, Gilberto went to Paris, France, to meet Dr. Zapalla, who had
been Brazilian soccer player Pelé's acupuncturist. After four weeks
waiting in vain and not receiving any money, Donato and Milton departed
from Europe. Donato came back to Brazil. In 1962, Polydor recorded the
LP Muito à Vontade, with his compositions. This LP was reissued later by
Polyfar and in CD format by Pacific Jazz Japan. At the same time, he
recorded through Polydor A Bossa Muito Moderna de Donato e seu Trio and
it was released the next year. He just finished the two albums and
returned to the U.S. In 1965, with Brazilian violonista/composer/singer
Rosinha de Valença, he recorded for Bud Schank Bud Shank & His
Brazilian Friends for Elenco, also reissued by Polydor and Toshiba EMI
Japan. In the same year, he recorded for RCA Victor USA Piano of Joao
Donato -- The New Sound of Brasil. His compositions "Amazonas" (recorded
by Chris Montez), "A Rã," and "Caranguejo" (both recorded by Sérgio
Mendes), all were big hits, receiving other interpretations by several
artists. In 1969, he recorded for Muse (which released it in 1973)
Donato/Deodato, a classic album where Latin jazz meets bossa nova. It
was followed by A Bad Donato (Blue Thumb 1970) with Ron Carter.
Returning to Brazil in 1972, the next year he recorded for Odeon Quem é
Quem. In 1974, he directed Gal Costa's show Cantar, recorded live and
released with Costa singing a couple of Donato's songs, one with Caetano
Veloso. In 1975, Donato recorded Lugar Comum for Philips and in 1986,
his live show at the People's nightclub was released by Elektra Musician
as Leilíadas. In 1996, he recorded for Odeon Coisas tão Simples and in
1997, Café com Pão -- João Donato & Eloir de Morais with the
Brazilian drummer. He also composed, together with Gilberto Gil, "Lugar
Comum" (1974), "Bananeira," "Emoriô," and "Tudo Tem" (all in 1975). https://www.allmusic.com/artist/jo%C3%A3o-donato-mn0000118493/biography
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Biografía de Alvaro Neder João
Donato comenzó su carrera discográfica a los 15 años, ya una tarea
difícil en una asociación con un gran maestro, Altamiro Carrilho.
También grabó con Bud Schank, Ron Carter, Airto Moreira, Elmir Deodato,
Randy Brecker, Ray Barretto, Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud
Gilberto, Cal Tjader, y varios otros, junto con muchos importantes
músicos brasileños, incluyendo Johnny Alf y Tom Jobim. Su carrera en
solitario está registrada con 29 álbumes grabados desde 1953. Figura
importante como músico y arreglista en el movimiento de la bossa nova,
es profundamente influyente, habiendo inspirado a generaciones de
músicos. João Gilberto confesó haber tomado el ritmo de la bossa nova en
el violón del piano de Donato. Generalmente se le percibe como un genio
loco y desapegado; tal vez sea un poco de cada uno.
Empezó a
hacer música muy temprano y pronto ya estaba animando fiestas de baile
con su acordeón. Sus primeras nociones musicales fueron dadas por un
sargento de la Banda Militar de Acre. A los 11 años, se mudó a Río y
estudió piano con el profesor Werther. A los 15, ya era un músico
profesional de acordeón, tocando en los bailes de los suburbios. Su
primera grabación se remonta a ese período, a 78 rpm para el sello Star
con Altamiro Carrilho e Seu Regional, aunque el sello omite los créditos
de Donato. También actuó, en ese momento, continuando durante nueve
años, en las jam sessions del seminal círculo de jazz amateur
Sinatra-Farney Fan Club en Río, que reunió a personas que serían
importantes músicos de jazz, productores y periodistas en Brasil. A los
17 años, fue contratado por la Rádio Guanabara como sideman en el show
de Zé do Norte, trabajando allí durante dos años. En 1952, fue
contratado por el gran violinista Fafá Lemos para tocar en su grupo, que
se presentaba en el club nocturno de Monte Carlo. También tocó en otros
clubes nocturnos que reunían a los buenos músicos de Río, en lugares
como Sacha's, Drink's, Bon Gourmet, y, lo más importante, Plaza, donde
nació la bossa nova. Su primer álbum en solitario, a 78 rpm para Sinter,
se tituló João Donato e seu Conjunto, y fue lanzado en abril de 1953,
conteniendo "Tenderly" e "Invitation". En mayo de ese año, grabó, bajo
el mismo título, otras 78 rpm para el mismo sello. En julio, grabó con
el grupo vocal e instrumental Os Namorados para un 78 rpm con las
canciones "Eu Quero Um Samba" (Haroldo Barbosa/Janet de Almeida), más
tarde grabada en solitario por João Gilberto, y "Três Ave-Marias"
(Hanibal Cruz). También grabó otros dos álbumes con Os Namorados,
siempre para Sinter, en octubre de 1953 y enero de 1954. El grupo Os
Namorados era el mismo que Os Namorados da Lua, sin Lúcio Alves. Cuando
Alves partió para una carrera en solitario, prohibió a sus antiguos
compañeros de banda utilizar el antiguo nombre, ya que quería reservarlo
para futuros proyectos. Donato también trabajó para el grupo vocal
Garotos da Lua. Fueron contratados por Rádio Tupi. Donato era el
pianista y arreglista del grupo y João Gilberto se unió a ellos en 1949,
sustituyendo al cantante Jonas Silva. Su fuerte amistad comenzó antes
de que se conocieran: antes de dejar Bahía, alguien le dijo a João
Gilberto que iba a conocer a un tipo "exactamente como él". Al mismo
tiempo, le dijeron a Donato que el próximo cantante se parecía mucho a
él. Cuando se encontraron, sólo se dijeron "¡Es verdad!", dejando a los
transeúntes con la duda de qué estaba pasando. Numerosas anécdotas
excéntricas de ambos músicos idiosincrásicos datan de ese período. Más
tarde, se mudarían al apartamento de Luiz Teles (del grupo Quitandinha
Serenaders), y vivirían allí por un tiempo. Gilberto grabó dos álbumes
con los Garotos da Lua en julio y noviembre de 1951. Poco después,
Gilberto fue despedido del grupo por la dirección artística de Rádio
Tupi como "un cantante muy malo". En 1954, Donato grabó otros 78 rpm
para Sinter. En 1956, a pesar de odiar el frío de la ciudad de São
Paulo, Donato se mudó allí, uniéndose al grupo Os Copacabanas y a la
Orquesta Luís César, junto a su propio grupo. Grabó otro álbum en
solitario, ahora con este grupo, para Odeon en marzo de 1956. En el
mismo año y en la misma discográfica, grabó Chá Dançante, producido por
Tom Jobim. En 1958, compuso su primer éxito, "Minha Saudade", con
Gilberto. En esa época, Donato tocaba en el Palacio de Copacabana con la
orquesta de la Copinha (multado cada dos días por llegar tarde todos
los días), y Gilberto solía ir allí a menudo para charlar con Donato
durante los descansos de la orquesta (cuando actuaba el grupo de Dick
Farney). Donato dijo en una entrevista en los años 70 que Gilberto le
confesó que él, Donato, fue el inspirador del ritmo de bossa nova de
Gilberto en el violón. El Maestro Gaya también dijo eso. También en
1958, grabó en su LP Dance Conosco (Copacabana) dos colaboraciones con
Gilberto: el mambo "Mambinho" y la samba "Minha Saudade".
En
1959, fue rechazado por todos los clubes nocturnos. Adelantado a su
tiempo, su moderno piano de swing era demasiado fuerte rítmicamente y
excesivamente difícil de seguir por otros músicos, y los clientes se
quejaban de que no era bailable. Se le acabaron los conciertos y solía
pedir a los dueños de los clubes nocturnos que tocaran gratis, para que
estuvieran disponibles para todos los interesados. Incluso entonces,
sólo se le permitía tocar después de las 4 de la mañana, cuando la
mayoría de los clientes se habían ido. Su situación era tan mala que
decidió mudarse de Brasil. Su amigo Nanai, después de haber hecho una
gira por México con la gran cantante Elizete Cardoso, se instaló en
Estados Unidos y telegrafió a Donato, invitándolo a una temporada de dos
semanas allí. Donato fue y terminó residiendo en los EE.UU. durante 14
años. Muy solicitado por los artistas latinos, grabó Arriba! para Mongo
Santamaría (Fantasía 1961), Vaya Puente para Tito Puente (Philips 1962),
At the Black Hawk para Santamaría (Fantasía 1962), The Astrud Gilberto
Album para Astrud Gilberto (Elenco 1964, lanzado en los EE.UU. a través
de Verve, Silver Collection 1991), Shadow of Your Smile para Astrud
Gilberto (Verve 1965), Brazil! ¡Brasil! ¡Brasil! para Bud Shank (World
Pacific 1967), Solar Heat para Cal Tjader (Skye 1968), y Prophet para
Cal Tjader (Verve 1969). Dados los largos años que trabajaron juntos en
Río, y también que eran amigos desde hace mucho tiempo, Donato y el
baterista brasileño Milton Banana desarrollaron una rara simbiosis, cada
uno complementando rítmicamente las ideas del otro. Banana fue el
primer músico en desarrollar un ritmo adecuado de tambor de bossa nova,
con pinceles sobre un paño y palo en el borde de la caja. Su sonido era
tan distintivo que fue copiado por muchos músicos y la mayoría de las
grabaciones de bossa nova traen ese sonido de tambor. Después del
histórico concierto en el Carnegie Hall, en el que Donato no participó,
Donato y Milton Banana acompañaron a Gilberto en una gira por Italia,
donde trabajaron durante seis semanas. A pesar de ser acosado por más
gente interesada en contratarlo de la que podía manejar, Gilberto alegó
un dolor en el dedo que le impedía tocar, y pararon todo para esperar su
recuperación. Creyendo que sólo una persona en el mundo podía curarlo,
Gilberto fue a París, Francia, para conocer al Dr. Zapalla, que había
sido el acupuntor del futbolista brasileño Pelé. Después de cuatro
semanas de espera en vano y sin recibir dinero, Donato y Milton
partieron de Europa. Donato volvió a Brasil. En 1962, Polydor grabó el
LP Muito à Vontade, con sus composiciones. Este LP fue reeditado más
tarde por Polyfar y en formato CD por Pacific Jazz Japan. Al mismo
tiempo, grabó a través de Polydor A Bossa Muito Moderna de Donato e seu
Trio y fue lanzado al año siguiente. Acaba de terminar los dos álbumes y
regresó a los EE.UU. En 1965, con la violonista/compositora/cantante
brasileña Rosinha de Valença, grabó para Bud Schank Bud Shank & His
Brazilian Friends para Elenco, también reeditado por Polydor y Toshiba
EMI Japón. En el mismo año, grabó para RCA Victor USA Piano de Joao
Donato -- The New Sound of Brasil. Sus composiciones "Amazonas" (grabada
por Chris Montez), "A Rã" y "Caranguejo" (ambas grabadas por Sérgio
Mendes), todas fueron grandes éxitos, recibiendo otras interpretaciones
de varios artistas. En 1969, grabó para Muse (que lo lanzó en 1973)
Donato/Deodato, un álbum clásico donde el jazz latino se encuentra con
la bossa nova. Le siguió A Bad Donato (Blue Thumb 1970) con Ron Carter.
Volvió a Brasil en 1972, y al año siguiente grabó para Odeon Quem é
Quem. En 1974, dirigió el espectáculo Cantar de Gal Costa, grabado en
vivo y lanzado con Costa cantando un par de canciones de Donato, una de
ellas con Caetano Veloso. En 1975, Donato grabó Lugar Comum para Philips
y en 1986, su espectáculo en vivo en la discoteca People fue lanzado
por Elektra Musician como Leilíadas. En 1996, grabó para Odeon Coisas
tão Simples y en 1997, Café com Pão -- João Donato & Eloir de Morais
con el baterista brasileño. También compuso, junto con Gilberto Gil,
"Lugar Comum" (1974), "Bananeira", "Emoriô" y "Tudo Tem" (todos en
1975). https://www.allmusic.com/artist/jo%C3%A3o-donato-mn0000118493/biography
Review by Rovi Staff Tenor
saxophonist Sonny Rollins loaned his flair for the dramatic to the
score for the film Alfie, accompanying the story of what the liner notes
describe as "the involuntary education of a hipster." Arranged by
Oliver Nelson, the soundtrack follows the character's evolution from the
carefree, rakish Lothario of "Alfie's Theme" to the contemplative,
somewhat broken man reflected in "Alfie's Theme Differently." Rollins
attempts to capture the textures of life through his incisive and
energetic playing, his coherent improvisations, and variations on
musical themes. While "Alfie's Theme" and its variants make the most
lasting impression, "He's Younger Than You Are" is touching, laced with
regret. And the sensual, relaxed "On Impulse" has a nice sense of
immediacy. https://www.allmusic.com/album/alfie-1966-original-music-from-the-score-mw0000142392
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Reseña de la plantilla de Rovi El
saxofonista tenor Sonny Rollins prestó su talento dramático a la
partitura de la película Alfie, acompañando la historia de lo que las
notas de presentación describen como "la educación involuntaria de un
hipster". Arreglada por Oliver Nelson, la banda sonora sigue la
evolución del personaje desde el despreocupado y desenfadado Lothario de
"Alfie's Theme" hasta el hombre contemplativo y algo roto que se
refleja en "Alfie's Theme Differently". Rollins intenta capturar las
texturas de la vida a través de su incisiva y enérgica forma de tocar,
sus coherentes improvisaciones y sus variaciones sobre temas musicales.
Mientras que "Alfie's Theme" y sus variantes causan la impresión más
duradera, "He's Younger Than You Are" es conmovedora y está llena de
arrepentimiento. Y la sensual y relajada "On Impulse" tiene una
agradable sensación de inmediatez. https://www.allmusic.com/album/alfie-1966-original-music-from-the-score-mw0000142392
Review by Scott Yanow Although trombonist Jimmy Cleveland is the main star of this album, arranger Ernie Wilkins comes in a close second. Wilkins' charts for the septet make inventive use of either Jay McAllister or Don Butterfield on tuba and he also brought in two excellent originals (including one called "Goodbye Ebbets Field"). With trumpeter Art Farmer, tenor saxophonist Benny Golson, pianist Wynton Kelly, bassist Eddie Jones and drummer Charlie Persip also featured with the septet, it is not surprising that the result is high-quality straightahead jazz. Worth searching for. https://www.allmusic.com/album/cleveland-style-mw0000910790
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Revisión por Scott Yanow Aunque el trombonista Jimmy Cleveland es la estrella principal de este álbum, el arreglista Ernie Wilkins le sigue de cerca. Los gráficos de Wilkins para el septeto hacen un uso inventivo de Jay McAllister o Don Butterfield en la tuba y también trajo dos excelentes originales (incluyendo uno llamado "Goodbye Ebbets Field"). Con el trompetista Art Farmer, el saxofonista tenor Benny Golson, el pianista Wynton Kelly, el bajista Eddie Jones y el baterista Charlie Persip también incluidos en el septeto, no es de extrañar que el resultado sea jazz directo de alta calidad. Merece la pena buscarlo. https://www.allmusic.com/album/cleveland-style-mw0000910790
Review by Ken Dryden Friedrich Gulda first made his mark in the world of classical music before making the first of many excursions into jazz. This 1956 date at the original Birdland in New York City features the pianist with some well-chosen sidemen: alto saxophonist Phil Woods, tenor saxophonist Seldon Powell, trumpeter Idrees Sulieman, trombonist Jimmy Cleveland, bassist Aaron Bell, and drummer Nick Stabulas. Gulda's originals dominate the set, including the cool ballad "Dark Glow" and several strident bop numbers ("Scruby," "Dodo," and "New Shoes"); his septet also romps through "A Night in Tunisia" and "Bernie's Tune." The assertion that Gulda might be "the greatest piano virtuoso to emerge in the last ten years" is a bit of liner note hyperbole by John Hammond; Gulda is more than adequate but not worthy of comparison to any of the major jazz pianists active at the time of this recording. He does give his sidemen plenty of solo space, and Woods easily takes top solo honors for the evening. One amusing moment is the infamous midget Birdland MC Pee Wee Marquette's mispronunciation of Gulda's first name as "Frederick"; it can be safely assumed that the pianist forgot to tip him ahead of time, based on Marquette's legendary hustling of musicians appearing at the club. Long out of print, this LP has enough interesting moments to make it a worthwhile investment for fans of 1950s bop and cool jazz. https://www.allmusic.com/album/friedrich-gulda-at-birdland-mw0000423105
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Revisión por Ken Dryden Friedrich Gulda dejó su huella por primera vez en el mundo de la música clásica antes de hacer la primera de muchas excursiones al jazz. Esta cita de 1956 en el Birdland original de la ciudad de Nueva York presenta al pianista con algunos acompañantes bien elegidos: el saxofonista alto Phil Woods, el saxofonista tenor Seldon Powell, el trompetista Idrees Sulieman, el trombonista Jimmy Cleveland, el bajista Aaron Bell y el baterista Nick Stabulás. Los originales de Gulda dominan el set, incluida la genial balada "Dark Glow" y varios números estridentes de bop ("Scruby"," Dodo "y"New Shoes"); su septeto también repasa "A Night in Tunisia" y " Bernie's Tune. La afirmación de que Gulda podría ser "el mayor virtuoso del piano surgido en los últimos diez años" es un poco una hipérbole de John Hammond; Gulda es más que adecuado, pero no digno de comparación con ninguno de los principales pianistas de jazz activos en el momento de esta grabación . Le da a sus acompañantes mucho espacio en solitario, y Woods se lleva fácilmente los máximos honores en solitario por la noche. Un momento divertido es la mala pronunciación del infame enano Birdland MC Pee Wee Marquette del primer nombre de Gulda como "Frederick".; se puede suponer con seguridad que el pianista olvidó darle propina con anticipación, basándose en el legendario ajetreo de músicos de Marquette que aparecían en el club. Agotado durante mucho tiempo, este LP tiene suficientes momentos interesantes como para convertirlo en una inversión que valga la pena para los fanáticos del bop y el cool jazz de la década de 1950. https://www.allmusic.com/album/friedrich-gulda-at-birdland-mw0000423105
Review by Richard S. Ginell Further Adventures of Jimmy and Wes picks up where Dynamic Duo left off, digging a little further into the one-time-only Wes Montgomery/Jimmy Smith sessions and coming up with more fine music -- mellower in general than Dynamic Duo but first-class nonetheless. Unlike most of the studio sessions from this time, Montgomery gets plenty of room for his single-string work as well as his famous octaves, and both techniques find him in full, mature bloom, needing fewer notes in which to say more (Smith, of course, is precisely the opposite). All but one of the tracks on the original LP find Smith and Montgomery interacting only with themselves, the drums of Grady Tate, and the congas of Ray Barretto; Roger Miller's "King of the Road" (not often covered by jazzers) and Montgomery's "O.G.D." (later known as "Road Song") come off best. Oliver Nelson's big band makes a sole appearance with a swaggering chart of "Milestones." Though Dynamic Duo is probably the priority purchase by a hairsbreadth margin, you'll need to have both that album and Further Adventures eventually. https://www.allmusic.com/album/the-further-adventures-of-jimmy-and-wes-mw0000102203
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Reseña de Richard S. Ginell Further Adventures of Jimmy and Wes continúa donde lo dejó Dynamic Duo, profundizando un poco más en las sesiones de Wes Montgomery/Jimmy Smith, que sólo se hacían una vez, y proponiendo más música fina, más suave en general que Dynamic Duo, pero de primera clase. A diferencia de la mayoría de las sesiones de estudio de esta época, Montgomery tiene mucho espacio para su trabajo de una sola cuerda, así como sus famosas octavas, y ambas técnicas lo encuentran en pleno florecimiento maduro, necesitando menos notas en las que decir más (Smith, por supuesto, es precisamente lo contrario). En todos los temas del LP original, excepto en uno, Smith y Montgomery sólo interactúan consigo mismos, con la batería de Grady Tate y las congas de Ray Barretto; con el "King of the Road" de Roger Miller (que no suelen cubrir los jazzistas) y con el "O.G.D." de Montgomery. (más tarde conocida como "Road Song") son las que mejor funcionan. La big band de Oliver Nelson hace una única aparición con una fanfarrona lista de "Milestones". Aunque Dynamic Duo es probablemente la compra prioritaria por un margen de pelo, necesitarás tener tanto ese álbum como Further Adventures eventualmente. https://www.allmusic.com/album/the-further-adventures-of-jimmy-and-wes-mw0000102203
Review: by Matt Collar Trumpeter Donald Byrd's 1957 date Modern Jazz Perspective is a swinging, straight-ahead, bop-infused album featuring pianist Gigi Gryce. Also showcased on the album is vocalist Jackie Paris. Interestingly, Paris is also featured playing banjo on the gospel-inflected opening track, "Medley: Early Morning Blues." https://www.allmusic.com/album/modern-jazz-perspective-mw0002407411
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Reseña: por Matt Collar La fecha de 1957 del trompetista Donald Byrd, Modern Jazz Perspective, es un álbum de swing, directo y con una gran influencia del bop, en el que participa la pianista Gigi Gryce. También aparece en el álbum la vocalista Jackie Paris. Curiosamente, Paris también aparece tocando el banjo en el tema de apertura de influencia gospel, "Medley: Early Morning Blues". https://www.allmusic.com/album/modern-jazz-perspective-mw0002407411
Although arranger Gil Evans had been active in the major leagues of jazz ever since the mid-'40s and had participated in Miles Davis' famous Birth of the Cool recordings, Gil Evans & Ten was his first opportunity to record as a leader.
The set features a typically unusual 11-piece unit consisting of two trumpets, trombonist Jimmy Cleveland, Bart Varsalona on bass trombone, French horn player Willie Ruff, Steve Lacy on soprano, altoist Lee Konitz, Dave Kurtzer on bassoon, bassist Paul Chambers, and either Nick Stabulas or Jo Jones on drums, plus the leader's sparse piano - As good an introduction to his work as any, this program includes diverse works ranging from Leadbelly to Leonard Bernstein, plus Evans' own "Jambangle." The arranger's inventive use of the voices of his rather unique sidemen make this a memorable set. https://www.jazzmessengers.com/en/96938/gil-evans/gil-evans-ten
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Aunque el arreglista Gil Evans había estado activo en las grandes ligas del jazz desde mediados de los años 40 y había participado en las famosas grabaciones de Miles Davis Birth of the Cool, Gil Evans & Ten fue su primera oportunidad de grabar como líder.
El conjunto cuenta con una inusual unidad de 11 músicos formada por dos trompetas, el trombonista Jimmy Cleveland, Bart Varsalona al trombón bajo, el trompa Willie Ruff, Steve Lacy al soprano, el contralto Lee Konitz, Dave Kurtzer al fagot, el bajista Paul Chambers y Nick Stabulas o Jo Jones a la batería, además del escaso piano del líder - Este programa, una buena introducción a su trabajo, incluye diversas obras que van desde Leadbelly a Leonard Bernstein, además del propio "Jambangle" de Evans - La inventiva del arreglista a la hora de utilizar las voces de sus singulares músicos de acompañamiento hace que este conjunto sea memorable. https://www.jazzmessengers.com/en/96938/gil-evans/gil-evans-ten
Review by Scott Yanow For this Milestone LP (not yet reissued on CD), James Moody leaves his alto at home and mostly sticks to tenor (although he switches to flute on "Cherokee"). Five of the nine selections feature Moody with a five-piece brass section (three trumpets, one trombone and a tuba) and a top-notch rhythm section consisting of pianist Kenny Barron, bassist Bob Cranshaw and drummer Mel Lewis. Tom McIntosh's arrangements are functional but unexciting, with only "Au Privave" catching much fire. Best are the four other numbers which showcase the tenorman with only the rhythm section. Not content to be a mere bebop revivalist, Moody is heard throughout pushing himself, and there are some good moments from Barron too. https://www.allmusic.com/album/moody-and-the-brass-figures-mw0000224508
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Reseña por Scott Yanow Para este LP histórico (aún no reeditado en CD), James Moody deja su alto en casa y se apega principalmente al tenor (aunque cambia a la flauta en "Cherokee"). Cinco de las nueve selecciones presentan a Moody con una sección de metales de cinco piezas (tres trompetas, un trombón y una tuba) y una sección rítmica de primer nivel compuesta por el pianista Kenny Barron, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Mel Lewis. Los arreglos de Tom McIntosh son funcionales pero poco emocionantes, con solo" Au Privave " atrayendo mucho fuego. Los mejores son los otros cuatro números que muestran al tenorman con solo la sección rítmica. No contento con ser un mero revivalista de bebop, Moody se escucha a lo largo de empujarse a sí mismo, y también hay algunos buenos momentos de Barron. https://www.allmusic.com/album/moody-and-the-brass-figures-mw0000224508
